La mia prima intervista a uno street artist l’ho fatta a Barry McGee, diversi anni fa. Era un tipo schivo, silenzioso, affascinante e dall’apparenza melanconica.

La prima cosa che mi ha colpito è stata l’estrema dedizione nei confronti del suo lavoro, la cura esasperata in ogni atto, ogni gesto, ogni segno.

La mostra che stava allestendo consisteva, fra le altre cose, in piccole tavole uniche decorate che insieme venivano a formare un ritmo complessivo. E riempivano il muro più grande della galleria.

L’accostamento, per quanto poteva apparire, non era affatto casuale. Così come l’ordine delle foto, e delle installazioni nell’ambiente. Era tutto calcolato, misurato. Il tutto seguiva uno schema preciso, oscuro al visitatore ma chiarissimo nella mente di Barry.

Sparito fra i flash durante l’inaugurazione, so di amici che sono andati a scrivere con lui, quella notte. Rimpiango di non aver retto a quella giornata estenuante e di aver preferito andare a svenire a casa piuttosto di andare un po’ in giro con lui.

So che ha chiesto se si poteva surfare. So che si è accontentato di skateare. E so anche tutte le storie dolci dei suoi personaggi, chi è chi, perché è un po’ cinese e tante altre fesserie che ormai rappresentano l’unica ragione per cui esiste ancora la carta stampata: il gossip. Ma tanto la gente non legge. Si dice che la gente non legga.

E se le gente non legge la gente non scrive. E se la gente non scrive allora guardiamo le figure. Perché noi leggiamo anche le figure. Che succede, la gente non legge le lettere ma le figure si?

Comunque Prism è una galleria fantastica. Godetevi le foto della prima di Barry McGee al secolo Twister o Mr. Wong.

Segue comunicato stampa

PRISM is pleased to announce an exhibition of new work by Barry McGee. In his second exhibition at the gallery, McGee integrates his visual language, with its striking geometric compositions, color fields and recurring characters into a site-responsive installation that converts the gallery into a dynamic and vibrant space. Viewers are immersed in purposeful chaos reflected in McGee’s drawings, paintings, prints, sculptures and photographs.

McGee has always been compelled towards mark-making; imprinting his sensibility on available surfaces from thin sheets of luan to the urban architecture that surrounds him. His practice has developed to invite these influences into the sphere of exhibition making and for the last two decades McGee has held an indelible place in contemporary art. He works on a prodigious scale and his work points to the perpetually renewed and decaying landscape of art, advertising and the highly graphic.

Barry McGee was born in San Francisco in 1966. He studied painting and printmaking and graduated with a BFA from the San Francisco Art Institute in 1991. The Berkeley Art Museum will present a comprehensive retrospective of McGee's work in August of 2012. This retrospective follows solo exhibitions with BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead (2008); Redcat, Los Angeles, USA (2007); The Watari Museum of Contemporary Art, Tokyo, Japan (2007); John Kaldor Art Projects, Australia (2004); Prada Foundation, Milan, Italy (2002): UCLA Hammer Museum, Los Angeles, USE (2000); and Walker Art Center, Minneapolis, USA (1998). He has participated in major exhibitions, including the Lyon Biennale, France (2009); Life on Mars, the 55th Carnegies International, Pittsburgh, USA (2006); Mediations In An Emergency, Museum of Contemporary Art Detroit, Michigan, USA (2006); The Liverpool Biennale, Liverpool (2002); Drawing Now, Museum of Modern Art, New York, USA (2002), and the 49th Venice Biennale, Venice, Italy (2001).

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Sten & Lex hanno finito ieri la loro parete a Baltimora.

Grande come sempre, il loro lavoro continua a distinguersi per originalità e ingegno, e la loro tecnica continua a evolversi come tutti gli artisti dovrebbero prestare attenzione a fare. 

Openwalls è un festival organizzato da Gaia a Baltimora, a cui partecipano, scaglionato nel tempo fino al finissage il 25 maggio, tanti artisti da tutto il mondo: oltre i nostri hanno partecipato e parteciperanno Chris Stain, Specter, Swoon, Vhils e molti altri.

Presto più foto e più notizie. Tutte le foto sono by Martha Cooper.

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• Stencil Poster by Sten & Lex »

Inaugura oggi alla Opera Gallery di New York la collettiva Streets of the World.
Certo il titolo non brilla di originalità, come anche il progetto in se. Ciò che invece è considerevole è proprio il ventaglio di nomi. Molti, e buoni.
E veramente da tutto il mondo.
Banksy, Anthony Lister, ROA, Blek le Rat, Herakut, Alexandros Vasmoulakis, Know Hope, The London Police, M-City, Nick Walker, Mark Jenkins, Saber, Revok, Faile, Bäst, Swoon, Ron English, Trustocorp, Logan Hicks, Vhils, Nunca, Os Gemeos e altri.

Non vi resta che andare in galleria o aspettare domani per le foto dell'openig.

Ma, nel caso foste a Los Angeles, potreste sempre conolarvi con l'inaugurazione di Barry McGee a Prism...

Saber 

Anthony Lister

Mark Jenkins

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• from style writing to art - buy online »

La biografia di Shepard Fairey non riteniamo interessante riportarla, per l’ennesima volta, sul nostro sito. Avremmo anche valutato l’opportunità di non riportare la notizia della sua mostra in quanto il battage comunicativo attorno alle sue operazioni rasenta quello, appunto, di una Propaganda totalitarista. Nomen omen.

Invece siamo qui a parlare di Harmony & Discordia, personale di Shepard Fairey al secolo Obey the Giant alla Galleria Peace Print. Perché? Perché c’è qualcosa di nuovo, qui. Un progetto interessante (anche spiegato nel video che segue) che illustra come la galleria abbia messo a disposizione i suoi studi di produzione, più di un atelier diremmo, per realizzare in sede il lavoro. più grande, più nuovo, più ganzo.

Propaganda appunto, perché nei lavori di Shepard è immancabile il richiamo a quella sorta di coscienza collettiva che, purtroppo, è di efficacia più visiva che motivazionale. Ma ci piace comunque perché, obiettivamente, è bravo. E molto.

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Il 2 maggio ha inaugurato a New York una mostra fotografica che vede animali vivi e modelle nude: questi gli ingredienti di Animals, per Ryan McGinley alla Team Gallery.

L’artista ha lavorato con diversi addestratori, che gli hanno insegnato a relazionarsi con gli animali, i veri personaggi principali delle inquadrature, che usano i corpi (senza volto quindi senza personalità) come supporti o come generatori di contrasto con la fisionomia animale.

L’accostamento di parti del corpo umano e animali enfatizza quindi una determinata sensazione: dalla tenerezza all’erotismo, dall’inquietudine alla provocazione. Inserito in un atmosfera pop, con sfondi colorati o pattern che ricordano caramelle o giochi d’infanzia, la ricerca di McGinley si inserisce perfettamente nella direzione della fotografia contemporanea. e noi lo adoriamo.

segue comunicato stampa della galleria.

Team is pleased to present an exhibition of new work by New York-based artist Ryan McGinley. Entitled Animals, the show will run from 02 May through 02 June, 2012. Team Gallery is located at 83 Grand Street, between Wooster and Greene, on the ground floor. Concurrently, our 47 Wooster Street space will house Grids, an additional solo show by McGinley culled from an entirely different body of work. This marks the first time a single artist has had simultaneous shows in our two spaces.

Animals consists of McGinley’s color portraits of live animals with nude models. The exhibition is his first made up exclusively of selections from this growing, and ambitious, body of work. The artist visited various sanctuaries, zoos, and rescue establishments across the United States, erecting a mobile studio wherever possible and working with a number of pre-eminent animal trainers. The animals are not mere props in photographs of people; on the contrary, McGinley considers them the subjects of these images. There exists both tension and tenderness between the models and wild animals, as they claw, clutch, nibble, and hug one another.

This body of work has two starkly contrasting sides, epitomized by two of the photographs on view. In the comical Marmoset (Horizon Blue), a tiny monkey hangs from a male model’s pubic hair, partly obscuring his genitals. The human legs and torso are covered in scratches and the marmoset stares directly at the camera, wearing an expression of apparent shock. In Parakeets, a flock of lushly colored birds tears across a blue background while a girl, face obscured by a blurred green and white wing, stretches out her arms in an imitation of flight. The barroom roughhouse of the former and dulcet elegance of the latter act as the exhibition’s counterweights. Where the first piece is grotesque and lascivious, as humorous as it is horrifying, the other — a gushing moment of poetic beauty — strikes a profound emotional and visual harmony.

These photographs are studies in animal bodies, their strangeness and seductivity. As a collection, they highlight the similarities and differences between the various species’ anatomies, the familiarity and relative regularity of the human form providing a blank slate against which to read the animals. The Pop art attitude generated through the use of candy-colored backgrounds serves to make the images all the more attractive, introducing an internal tension between their initially inviting appearances and the sometimes off-putting subject matter. These colors, in tandem with the improbable relationships between the animals and people, situate the photographs firmly within the province of the surreal and psychedelic.

Wild animals add a strong element of unpredictability to the traditionally more controlled context of studio photography. McGinley often gives light direction to his models, but animals do not heed such instruction. Though he devises each situation, choosing and pairing animals and models with variously colored backdrops, perhaps suggesting an initial position, the images are never pre-mediated: he allows the interactions to unfold naturally, photographing the outcome. McGinley’s approach to his work blurs the lines separating private and public, nature and studio, staged and documentary.  In much the same spirit with which he has imposed the studio upon the wild — employing cinematic lighting in his recent outdoor photography — he has introduced the wild into a type of studio setting.

McGinley’s photographs are included in the collections of The Solomon R. Guggenheim Museum, the San Francisco Museum of Modern Art, the Museum of Fine Arts in Houston, the Smithsonian National Portrait Gallery in Washington D.C., and many others. The 34 year-old artist has had solo exhibitions at the Whitney Museum of Art and at MoMA PS1 in New York, at the MUSAC in Spain, and at the Kunsthalle Vienna. Last year McGinley had solo shows in London and Amsterdam. Earlier this year a monograph on his work was released by Twin Palms Press. May 2012 will also see the release of a long-awaited book surveying his career from 1999 through the present. Published by Rizzoli, the book contains essays by Chris Kraus and John Kelsey, as well as an interview with Gus Van Sant.

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• TeamGal »

 Domani è l’ultimo giorno per visitare la prima personale di Evol negli Stati Uniti, nientepopodimenoche alla Jonathan LeVine Gallery.

Jonathan LeVine Gallery è lieta di annunciare Repeat Offender, opere recenti Evol, artista berlinese, in quella che sarà la sua prima mostra personale negli Stati Uniti. Repeat Offender presenta opere su cartone e metallo, nonché una serie di edizioni di stampa fotografiche che documentano Caspar David Friedrich Stadt, un progetto di installazione risalente al 2009 in un ex mattatoio a Dresda, in Germania.

Dipinti di stencil a più livelli su cartone e rottami metallici ritraggono paesaggi urbani disabitati. L'artista seleziona attentamente i materiali da usare come le sue tele, che rappresentano la qualità di alloggi a basso reddito a Berlino. Evol raggiunge estremamente convincente illusioni architettoniche attraverso l'inserimento intelligente di bordi strappati, denti, frammenti di nastro, marcature, casse e cartoni ondulati. Il carattere e la storia di tutto ciò che questa edilizia rappresenta viene espresso sulla sua facciata, come cicatrici sulla pelle; le opere di Evol trasmettono elementi di degrado urbano e resti di una storia turbolenta,  di un muro e di una città divisa in due. Le parole dell'artista: "superfici pulite non parlano con me, così questo è un processo artistico atto a ricordare visivamente il fascino di un luogo che vi sarà presto dipinto sopra".

Oltre al suo lavoro in studio, Evol crea anche interventi in spazi pubblici all'interno degli ambienti urbani. Attraverso file di finestre modulari e ringhiere e balconi, cavi e dischi satellitari, Evol crea l'illusione di modello in scala, edifici nati dal sapiente reutilizzo di scatole elettriche e di cemento per le strade di città di tutto il mondo. "Nonostante la loro precisione fotografica, i dipinti di Evol non sono solo esercizi di rappresentazione geometrica. Né sono critiche ciniche all'isolamento e al confinamento che può caratterizzare la vita metropolitana. Invece, essi rivelano un fascino profondo con le narrazioni incorporate nelle superfici della città e una fede travolgente nell'umanità inerente alla condizione collettiva urbana "- Emilie Trice

• Jonathan LeVine Gallery »

L’ultima settimana, per visitare la personale di Vhils a Shanghai, organizzata e curata da Magda Danysz. Segue il comunicato stampa.

Ps: Io adoro Vhils. Però queste foto mi ricordano qualcosa.

"Dopo due lunghi mesi di lavoro nella città di Shanghai, VHILS mostra al pubblico la sua opera singolare, scalpelli, le pareti intagliate, metallo tagliato al laser e poster. Le opere d'arte diVHILS rappresentano una rivoluzione nella tecnica stencil e il suo stile è caratterizzato dall’uso di strumenti insoliti. Attraverso la distruzione delle mura, egli esplora gli strati di spazio urbano e la sua storia. Vecchie carte, manifesti usurati, pannelli in legno, muri in mattoni vengono modificati con scalpelli, martello pneumatico, acido o esplosivi, al fine di scolpire il suo stencil sul muro. VHILS cerca di dare un nuovo volto alla città che è, per lui, un terreno di ispirazioni popolari.

Per questa prima mostra in Cina, VHILS investe non solo la galleria ma anche la città. Egli scolpisce i muri degli edifici. VHILS dice "è l'effimero che mi affascina, le trasformazioni e gli sviluppi della città". La mostra sottolinea l'unicità del suo lavoro e le trasformazioni tecniche di cui si avvale."

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• Alex Farto Webpage »

Un'altra perla by Kainowska. Che si commenta da sola.

Godetevela se non siete hipster. Se lo siete, godetevela ancor di più.

"I baffi. Gli occhiali con la montatura grossa nera da nerd. Le sigarette rollate. Il cibo bio. L’indie. I vestiti di tua nonna. Il vintage. Avere un blog. Fare il blogger. Essere cool, ovvero fico e stronzo. Dire “Io non sono un hipster!” I gatti. La frangia lunga. La frangia lunga con la riga da una parte. I fiocchi in testa. Il rossetto rosso. Gli anelli finto vintage presi da Pull and Bear. Slaughtered Lamb. Gli anelli con le scritte sopra tutto intorno. Gli anelli. I maglioni infeltriti. Il revival esistenzialista. Non arrivare a fine mese. Il pane integrale con i semini sopra. La camicia bianca lunga con sotto i leggins neri. Fare video arte. Fare il fashion-editor. I video giochi di prima generazione. Le grafiche dei videogiochi di prima generazione. Girare con un libro di David Foster Wallace. Il laptop. Facebook. Cercare lavoro su Lavori Creativi, e prendere sempre dei super-pacchi.  I mocassini marci senza le calze. Le scarpe a coda di rondine. La parola skinny, soprattutto riferita ai pantaloni. Le bretelle. Il viaggio intellettuale. I pois. Il must della magrezza. I motivi ornamentali da stampa con alberi, cervi o uccelli. I bomber da squadra di rugby americano. La pelliccia finta e di seconda mano. La camicia bianca sgualcita. La giacca da uomo. Gli Yeah Yeah Yeahs. Beck. Fare meditazione. Girare in bici. Chloe Sevigny. I Gossip. La parola “indie”. I Metric. I Cani e il Sorprendete Album d’Esordio dei Cani. Il cantante dei Cani. I muffin di farina integrale. Alice nel Paese delle Meraviglie e la bigiotteria ispirata ad Alice nel Paese delle Meraviglie. Kurt Cobain, anche se poveretto non lo sapeva. Kim Gordon. I centrifugati. I posti dove ti mettono i drink nei barattoli di vetro da marmellata. Mangiucchiare gambi di sedano con crema di yogurt e menta. Non guardare la televisione. La Nouvelle Vague. Anthony and the Johnson. I film di Antonioni. I gruppi post-rock che nessuno conosce. Le musicassette. Suonare il sintetizzatore. Sentirsi più intelligenti, più sensibili e migliori degli altri. Fare il copywriter. Fare lo stylist. Lavorare in uno studio di comunicazione. Dire di lavorare per svariati studi di comunicazione, e risultare di fatto agli occhi della legge disoccupato. Le Freitag. Le gonne pantalone nere corte con la vita altissima. La barba. Gli occhiali con le righe orizzontali di plastica colorata al posto della lente. La street art. Fare graffiti. Andare sui pattini a quattro ruote. Avere una fit bike senza freni da 2500 euro. Le ballerine. Le fantasie a fiorellini stile Holly Hobby handicappata. La lowbrow art. Ballare il boogie-woogie. Avere storie di sesso a raffica paranoiche e tristi. Bere il prosecco, o meglio ancora un vino biologico locale. Suonare l’ukulele o l’armonica a bocca. Vestirsi da nerd, da dandy o da parto incrociato dei due. Studiare scienze della comunicazione. I maglioni con i pallini da usura. I leggins. La scritta con il cuore I love NY, oppure I love qualsiasi altra cosa che risulti arguta e brillante. La polaroid. I vinili. Proclamare di non drogarsi (perchè troppo mainstream). Londra. Berlino. Via del Pratello.  Gli accostamenti di colori stridenti. Il viaggio “sono diverso”. Lo scialle della nonna con le frange. La borsa marrone che puzza di naftalina ma che hai pagato un botto perché è vintage originale. Il revival delle Creepers. Mario. Le cuffie stereo grosse in testa. L’I-Phone. L’I-Pod. L’I-Pad. Sbirciare i titoli dell’I-Pod di qualcuno vicino a te per vedere se ascolta musica fica. La ciuffa con la rasata laterale. I tatuaggi tradizionali. Il viola. Il fucsia. Il turchese. Il verde bottiglia. Il giallo fluo e tutti i colori fluo. I motivetti ad arcobaleno. Le Vans. La sciarpa di lana che punge di brutto. La giacchetta di jeans. Gli stivali completamente senza tacco. Le ciliegie. Le petizioni su internet. Il disegno del fulmine. Fare stickers. Fare le foto con l’I-phone. Lo spritz. Dire di odiare Mc Donald’s e le multinazionali, e poi avere come must bere il caffè da Starbucks davanti al proprio Mac-Book. Dire di essere contro il fashion system e le multinazionali, e poi vestirsi da H&M soprattutto quando ci sono le collaborazioni con gli stilisti. Dazed and Confused. I-D. Purple Fashion. Agnes Deyn. Sapere tante lingue straniere. Studiare in un’università all’estero. Le grafiche fatte volutamente alla cazzo di cane. Le scritte a penna con calligrafia da analfabeti disturbati. Il picnic. Le maglie a righe. Le maniche a farfalla. Le scarpe di Neil Garrett verniciate di bianco. Keith Haring. Mangiare al giapponese. Mangiare al palestinese. Il the bianco. Le Ugg. I maglioni con le renne e le stelle di neve. Mihele. Il velluto a coste. La minimal. La surf music. La musica trash. Le palle da discoteca con gli specchietti. Zilfia, che in realtà dal 1994 non ha mai smesso di essere grunge. Le mele. Le farfalle. Il chiodo. Victoria Cabello. Essere un artista. Il profumo al patchouli. Avere una sessualità incerta. Dichiararsi di orientamento queer. Malloni. Salinger. Tom Robbins. Fitzgerald. Truman Capote. Il Mac. Mangiare le alghe. L’electro. Gli Stereo Total. I gioielli con le chiavi vintage e gli sfronzoli. Le scarpe di Melissa. I profumi Comme des Garcons. I profumi puzzolenti. Lush. La pettinata da Ken. L’oversize. Le sneakers. Il cantante dei Gogol Bordello. Essere contro il mainstream. Le vacanze in tenda.  Vice. Scrivere su Vice. I divani sfondati. Le tappezzerie. I locali bui. Il cappello. La Lambretta. La Mini. Le Espadrillas. I capelli a scodella. Le ragazze con la fascia a cordino tipo hippie. Gus Van Sant. Le shopper di tela. Le librerie fatte con le cassette di legno per vendemmiare. La juta. Lo Juta. Essere un dj. Fare visual. Gli elastici con le palline da incrociare. I ciappi color tartaruga. Fare i palloni col chewingum. I lecca lecca alla marijuana. Fare l’orto. Far morire l’orto. Ubriacarsi di vodka e succo di mirtillo.  Andare a vivere a Berlino. Le ragazze col naso all’insù e il sedere grosso. La psicosi passionale maturata verso qualcuno che ti ha semplicemente chiesto l’amicizia, per cui sei convinto di avere una storia con lui/lei (detta anche Sindrome Clerambault). La kefiah rivisitata. Gli orecchini a stella. I vestiti stile ho sbagliato a fare la lavatrice e i bianchi sono diventati rosa. I vestiti stile objet trouvé nella busta dei vestiti per i ciechi. La birra Pabst Blue Ribbon. Le scarpe da ginnastica stile anni Ottanta ma colorate. Gli orsetti con le tarme e i giocattoli per bambini intelligenti tipo Città del Sole. Dire di guardare i serial tv in cofanetto ma solo ed esclusivamente in lingua originale. I Barbapapà. Le sedie e il merchandaising Pantone. Il disprezzo per tutte le altre sub-culture, soprattutto il versante goth e metal. L’orologio a cucù. Il cappello da David Crockett con la coda da procione. Il copricapo di piume da pellerossa. Il viaggio indiano d’America stylish. Spike Jonze. Essere convinti di essere ironici. Andy Warhol. Il post-moderno. American Apparel. Le webzine. Studiare in biblioteca. Caricare le proprie foto su Flickr. Caricare i propri video su Vimeo. I Sonic Youth. Gli Husker Du. Karen O. Leggere l’Internazionale. Il look da pappone anni Settanta. Avere i capelli rossi. Il foulard. Avere le lentiggini. Mangiare l’insalata. Bere bibite vintage come il chinotto, possibilmente nella bottiglia di vetro retrò. I trofei con le teste di cervo, ma solo se di pelouche, legno, o cartone decorato. Terry Richardson.  I gioielli di Margiela fatti con il cucchiaio e la forchetta. I gioielli tarocchi fatti con il cucchiaio o la forchetta. Le Puma. Gli occhiali vintage. Essere convinti di essere unici, originali e diversi dagli altri. I pantaloni con l’acqua in casa. I calzini dello stesso colore ma in tonalità diverse. La fantasia a quadri. Essere vegani. Fare il seitan in casa. I Rayban stile Madonna anni Ottanta. Star Trek e Guerre Stellari. Gli allargamenti alle orecchie. Daria Morgendorffer. La copertina con la banana dei Velvet Underground. Le spillette con la copertina di Unknown Pleasures, oppure dei Kraftewerk o ancora degli Einstuerzende Neubauten. Quella tazza odiosa con i baffi disegnati sotto l’imboccatura. La globalizzazione. Il meltin-pot e il cross-over, molto più che negli anni Novanta. Ascoltare la radio, ma solo se indie. La parola “ibridazione”. Organizzare eventi, possibilmente di arte contemporanea. Le grafiche di Beavis and Butthead. Le Worishofer. Essere chiamati dickheads nei paesi anglofoni, e inorridire all’idea senza capire quanto è ironico e senza rendersi conto che dickheads è il nome più peso dato una subcultura dai tempi del punk. I quartieri Hoxton e Shoreditch a Londra. New York. Fare i digiuni disintossicanti a base di centrifugati e frutta acida. Norman Mailer. Charlotte Gainsbourg. Girare con la maschera da gorilla. Il revival della camicia a quadri. Fare la raccolta differenziata, possibilmente in modo maniacale lavando tutto prima di buttarlo nell’apposito bidone. Il mullet. Il collo a V. Essere radical chic nell’anima ma non ammetterlo manco se ti strappano le unghie."

Luiza Kainowska

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Due anni fa abbiamo realizzato, in occasione della mostra a Londra di RJ, una sua stupenda limited edition. A ruba, anche se qui in Italia Herakut era ancora un nome sconosciuto. Ora, affermato in tutto il mondo, il giovane duo tedesco di street artist ci racconta il suo percorso attraverso quelle “feroci” pennellate che caratterizzano tanti artisti in giro questo periodo.

Loving the Exiled è il titolo della mostra che ha inaugurato sabato a San Francisco, nello spazio 941 Geary.

Loving the Exiled è una mostra popolata da figure ai margini della società, che portano una consapevolezza carica di sensi di colpa, personaggi usati come capri espiatori nel tentativo di semplificare problemi complessi. Con volti parzialmente stilizzati ma sempre uno sguardo fisso verso lo spettatore, le figure osservano l’osservatore, come se stiano valutando la sua vita, non invitati, ma forse aspettati. Essi guardano verso di noi con gli occhi tristi e rassegnati, un pizzico di rimprovero ma senza nulla chiedeci, solo una minima empatia di base. "

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Nuovissimo Solo Show di Alexandros Vasmoulakis a Londra,  Nosco Gallery. Avete tempo solo fino al 28 aprile.

Il più famoso street artist greco sta riscuotendo un discreto (se non considerevole) successo fuori dai suoi confini.

Grandi pareti urbane subito inginocchiatesi all’advertising sbocciano come fiori a primavera nell’Ellade e altrove. Il mondo lo ama perché è greco o perché è bravo? Non escludiamo che la risposta sia nel felice connubio fra i due elementi.

Ma vi lascio al comunicato stampa che, senza purtroppo riservarci sorprese, si appoggia a Salomè ed Erode per contestualizzare l’atmosfera classica che fa tanto cultura di questi tempi…  

"What is it that thou wouldst have in a silver charger, O sweet and fair Salomé, thou that art fairer than all the daughters of Judaea? What wouldst thou have them bring thee in a silver charger? Tell me. Whatsoever it may be, thou shalt receive it. My treasures belong to thee. What is it that thou wouldst have, Salomé? 1

Salome. The voluptuous young princess who performed the seductive dance of the seven veils inflaming King Herod to the point that he would bring John Baptiste’s head in a silver charger. Judith. The beautiful widow who allured the enemy general Holofernes and managed to decapitate him to save her city of Bethulia from the Assyrians. Delilah. The woman who became the object of Samson’s desire and was able to deceive him by making him unveil his deepest secret concerning his immanent great strength.

Ferocious attractive women that cunningly exploit men are drawn out from the cosmos of Jeudo, Christian and ancient Greek mythology and become the central subject matter in Alexandros Vasmoulakis’ new work. Moving from his previous depiction of vigorous and dynamic reclining nudes that sarcastically gaze at the male viewer, the artist once again unleashes the forces that control the conflicting relationship between men and women and enhances the infamous personality of a femme fatale.

Through a colorful mixture of oil, ink and acrylic, Vasmoulakis’ female protagonists are rendered as supernatural creatures. Deities that deviate from images of mere objectification. The artist’s rough brush strokes and abrupt lines intensify their Dionysiac nature, which is playful and humorous, as well as liberating. According to Vasmoulakis, the patterns of a patriarchal society throughout history have been established due to men’s lustful desire and simultaneous fear of women. An issue that reverberates to the mythical association of Eros and Thanatos with the disquieting charm of female beauty.

However, the artist distorts their features, suggesting their physical attractiveness without representing it. He portrays the castrated man, who, disarmed and powerless, witnessed Death and Desire, confessing that this revelation “felt like a kiss”. Once more Vasmoulakis figures become strange amalgams of the past and present that can never be captured and solidified, but somehow perfectly trigger a stream of consciousness of the eternal game between the two sexes."

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